Mommy

"Tú eres mi prioridad y siempre lo serás"

"Mommy" es una película que respira esperanza, libertad y humanidad. Esta nos acerca hacia un retrato complejo, lleno de dramatismo, en el que la dualidad moral entra en conflicto constantemente.
Nos encontramos ante una pequeña obra maestra, en la que su director canadiense utiliza un estilo formal original, novedoso y muy ágil.
Lo que hace que esta sea diferente de otras de temática semejante, es la garra con la que la historia se nos cuenta, gracias a unos actores que desprenden naturalidad y que interpretan magistralmente a sus personajes. Todos son destacables, pero me quedo con la actriz protagonista que tiene un papel enorme. Sin duda alguna, una interpretación para el recuerdo, un reflejo de una mujer con personalidad y con una gran capacidad de lucha.
La dirección de la película es otro de sus puntos fuertes. Sus imágenes, sus escenas a cámara lenta y la mezcla de un repertorio musical hábilmente seleccionado, hacen que su conjunto goce de fluidez e inteligencia.
Es compleja la temática que esta obra canadiense trata, pero nos da una visión que nos sumerge en la historia, que hace que la sintamos y que reflexionemos.
Es una oda a la libertad, a la esperanza y a la familia. Es una obra de gran intensidad emocional, que nos muestra  tres personas heridas y cansadas de sufrir, pero que en ningún momento se rinden, sino que buscan constantemente la forma de mejorar su situación, aunque puedan terminar confundiéndose en su búsqueda.
La película que cuenta con un metraje de dos horas y cuarto, rara vez termina teniendo altibajos, aunque si que se puede decir que se echa de menos la presencia de personajes secundarios, para poder contextualizar mejor el momento y mostrar una visión externa al trío protagonista.
Es una película totalmente recomendable, dura, agresiva, cruda, sensible y que no te deja indiferente.
Lo mejor: Su dirección y sus interpretaciones.
Lo peor: Le falta poco para ser sobresaliente. Su final es llamativo, pero no termina de ser redondo.

VALORACIÓN: 8.5/10
 

Cenicienta (Cinderella)

Valentía, bondad y un toque de magia

"Cenicienta", la obra en carne y hueso del clásico de Disney, es un correcto entretenimiento que resulta agradable, técnicamente impecable, estéticamente algo cursi y con cierta falta de riesgo.
Esta versión del clásico, dejará con la boca abierta a los más peques de la casa, por su colorido y por sus claros aires preciosistas de excesivo dulzor.

En primer lugar, haciendo análisis del apartado técnico de la película, esta nos presenta escenarios cuidados al detalle y efectos especiales realmente conseguidos, en los que su uso desprende originalidad e inteligencia, como es el caso del proceso de transformación de todos los objetos del hada madrina. Los decorados son magníficos al igual que su vestuario, que huele ya directamente a Oscar. Todo se dispone perfectamente engranado para nuestro deleite visual. 

Utilizando una comparativa con "Maléfica", la última obra que ha llevado Disney a los cines en su reedición de los clásicos, esta apuesta por la calidad y no la cantidad. La obra protagonizada por Angelina Jolie, utilizaba tal cantidad de efectos digitales, que se veía excesivamente cargada, borrosa en algunos planos y digitalizada en toda su ambientación.

Por otro lado, toca analizar las interpretaciones de la película. Sus dos protagonistas, tanto el príncipe, como cenicienta, hacen un papel simplemente correcto, muy adecuado a sus personajes.

En el caso del príncipe, su caracterización en ocasiones resulta un poco excesiva, siendo un príncipe demasiado "azul". En el caso de ella, si bien transmite claramente la idea del personaje, bondad y generosidad por los cuatro costados, en ocasiones me da la sensación de que se confunden estos términos con los de inocente, excesivamente pava y algo tonta. Un poco de más carácter e inteligencia podría haber mostrado un perfil más modélico.

Claramente el punto fuerte se lo llevan dos grandes actrices, que son sin lugar a dudas, lo mejor de la película. La breve aparición de Helena Boham Carter, aporta ese lado irónico, de locura, de excentricidad, que se sale un poco de los esquemas de la típica hada madrina viejecita y bonachona.

La otra gran actriz es la oscarizada Cate Blanchett, simplemente ella se come a todos los personajes. Sus apariciones están dotadas de tensión, frialdad, postín y elegancia, aportando  al personaje un trasfondo psicológico y un temperamento, que va más allá de lo que hasta ahora conocíamos de la famosa madrastra del cuento.

Finalmente hablar de la historia. Sus puntos a favor se encuentran en dotar de personalidad a ciertos personajes y contarnos la historia desde el principio, conociendo los orígenes de la protagonista e incluso de su propio nombre. En su contra juega, su falta de riesgo, la impersonalidad de la historia y lo poco ambiciosa que es argumentalmente hablando.
Finalmente da la sensación de que lo que quería hacer su director, es alcanzar a través del clásico de dibujos, un clásico en carne y hueso, pero no precisamente una versión moderna y alternativa del mismo. Si que podemos decir, que en esta obra se le da más protagonismo a la relación del príncipe y cenicienta, y además sus encuentros son más cercanos y directos. Esto en cierta manera pone en riesgo la lógica de la historia original.

Si lo que queréis es volver a revivir la historia de siempre, pero con el añadido de unas cuantas interpretaciones sobresalientes, un diseño de producción de lujo y unos efectos visuales deslumbrantes, esta es tú película. Los que esperen un giro de tuerca al clásico, abstenerse.

Lo mejor: Es una producción de lujo al servicio de la historia de siempre. Además cuenta con unos aires a clásico que resultan muy atractivos. ¿Dónde quedaron esas historias de espadachines en caballos y doncellas enamoradas? La era digital las está barriendo.

Lo peor: Su falta de ambición y que no aporta nada nuevo.

VALORACIÓN: 6/10

    

Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo

Una montaña rusa de una sorprendente calidad

Nos encontramos ante una de las mejores películas de animación 3-D hecha en España.
"Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo" sorprende, mostrándonos un enorme despliegue visual divertido y despampanante.
Prácticamente todo funciona en esta película, en la que si hay que destacar algo por encima de todo, es su ingenioso guión. Este rebosa imaginación e inteligencia y está dotado de numerosos detalles y alusiones críticas.
La película avanza a un ritmo trepidante, con escenas de acción magníficamente realizadas, elementos sorpresa constantes y un humor negro lleno de energía.
Es toda una alegría observar en la película, como la animación ha alcanzado en España grandes cuotas de calidad. Si bien aunque todavía se puede mejorar, esta tiene algo que no posee ninguna película de animación tipo Disney o Dreamworks. Lo encontramos este rasgo diferenciador, en que esta se aleja de los típicos mensajes moralistas, centrándose en mostrar una crítica a la sociedad, dando un reflejo de nuestro país, no exento de risas y burlas.
Esta obra basada en los comics de Ibáñez, se siente como un homenaje actual a sus tebeos. En ella encontramos todo lo que esperamos, pero multiplicado por cien. Humor absurdo, bromas constantes, disfraces con referencias históricas, números musicales, mujeres despampanantes, guiños a la TV actual, diálogos electrizantes, así como un despliegue de armas, misiles y demás inventos destructores.
Irremediablemente la película se acerca más a un tono adulto que infantil. A los más pequeños les gustará igualmente, por su grandes dosis de acción y situaciones cómicas, sin embargo, un exceso de violencia desmedida y ciertos comportamientos desleales, la alejan de ser una película de animación modélica.
Me es difícil decir algo que realmente le falte, pero si que se echa de menos que los personajes secundarios tengan un mayor peso en la historia , en mi opinión se dejan demasiado de lado.
Otro aspecto a mejorar sería su trama de fondo, que es demasiado lineal y típica, aunque luego esta sea un mera excusa para desarrollar los artificios y desventuras de estos carismáticos personajes.
Lo mejor: Ingeniosa, divertida y cuidada al detalle
Lo peor: Se echan de menos muchos personajes secundarios que aparecen fugazmente. Su trama de fondo es muy lineal.

VALORACIÓN: 7.5/10
     

El año más violento

Cuando tienes miedo a saltar es exactamente cuando saltas

"A most violent year" nos lleva hacia un drama criminal de los 80 perfectamente ejecutado, ingeniosamente pensado y magistralmente interpretado.

Este thriller ochentero nos presenta una trama no demasiada compleja, pero que sirve como telón para sumergirnos en la mente de sus personajes. La película supone un análisis de las decisiones que tomamos en la vida, así como los principios morales que nos conducen hacia las mismas. Son muchas las preguntas que se plantean: ¿Es el interés el que delata nuestra hipocresía?, ¿Son las vías de la legalidad tan cerradas, o realmente somos tan falsamente legales que elegimos el camino fácil?, ¿El miedo al fracaso justifica los medios del éxito? ¿Se termina pagando caro el peso de la ambición?,¿Dónde queda la familia cuando nuestro trabajo termina siendo nuestra prioridad en la vida?

El protagonista nos plantea un conflicto moral continuo, tentado por sus incesantes deseos de éxito. La violencia para él es un medio que va en contra de sus principios, pero que irrefutablemente corre por las venas de todos los seres humanos, quienes siempre terminamos pisando al que tenemos al lado con tal de sobresalir, cueste lo que cueste.

Es duro el mensaje que nos transmite, pero al mismo tiempo realista. Todos somos esclavos de un sistema en el que la corrupción es la opción segura y en la que el sistema nos arrastra hacia un lugar donde el deseo de éxito y la ambición por conseguirlo, está por encima de cualquier principio moral. Precisamente el personaje que hace evolucionar a Isaac, es el magníficamente interpretado por Chastain, quien aporta crudeza y tentación, dando los golpes de guión a la historia. 

En mi opinión, es una interpretación digna como mínimo de una nominación, aunque finalmente la academia no reconoció este estupendo trabajo. Sí que fue reconocido por el NBR (Círculo de Críticos Norteamericanos), quienes premiaron a la película como la mejor del año y a ambas interpretaciones.

La fotografía retrata a la perfección el ambiente ochentero, haciendo uso de una estética que se adecua a su climax de intriga y que nos regala unas magníficas vistas de las calles de Nueva York.
Su ritmo es algo pausado, pero la tensión y la incertidumbre se hacen palpables durante todo el metraje.

A pesar de todo lo expuesto, a veces la película acaba cayendo en ciertos tópicos y sus personajes secundarios están algo desdibujados. Además, se echa de menos que sus inteligentes diálogos estén dotados de una trama más elaborada.

Lo mejor: Sus protagonistas y su dirección perfectamente medida.

Lo peor: Se echa de menos una trama más elaborada y un ritmo menos pausado, aunque podría acabar pecando de artificiosa y alejarse de su objetivo, perfectamente descrito en esta.

VALORACIÓN: 7/10

   

Puro vicio

Cocktail de desenfreno y drogas

"Puro vicio" es una película confusa, liosa y extraña, pero que tiene un encanto particularmente atractivo.

La mayor virtud de esta obra de Anderson, basada en el libro Thomas Pynchon "Vicio propio", es su gran ambientación. Desde el principio se nos hace una inmersión en el mundo de los 70, y se nos guía a través de su historia bajo los efectos del humo que los propios personsajes exhalan. 

En esta encontramos el retrato de la sociedad americana de los 70, donde la corrupción, las drogas, el sexo y los sentimientos se mezclan. Como si de una montaña rusa se tratase, la película nos aturde, con una narración dotada de una gran cantidad de personajes todos enlazados entre sí,  en la que la lógica nos cuesta alcanzar, debido a la particular visión de su protagonista, a menudo distorsionada por los efectos de las drogas.

Su elenco de actores hace un muy buen trabajo, destacando por encima de todos a Joaquin Phoenix, que borda su personaje principal. Su papel de "detective" privado es de lo más destacable de la película, por su característica forma de actuar y su psicodélica visión de las cosas.

El problema de esta obra, lo encontramos en un metraje quizás excesivamente largo, con un tono que en ocasiones es difícil de digerir. El objetivo de la trama (intriga de la misma) conforme avanza se va disipando, volviéndose cada vez más compleja y centrándose más en sus característicos personajes y en su particular visión de la época, que en encontrar una clara lógica a todo este embrollo.

La culminación de lo abstracto se alcanza en su final. Llegados a ese punto, nos hemos dejado tanto llevar, que resulta incoherentemente genial. Este resulta ser una oda a la memoria, los sueños y los sentimientos.

A fin de cuentas se trata de una película que sirve como experiencia. que nos traslada perfectamente a su época y que ocasionalmente resulta divertida e ingeniosa. Pero claramente, no es una película para todo el mundo, ni pretenden serlo.

Lo mejor: Su ambientación y sus personajes.

Lo peor: Los esfuerzos del espectador por descifrar la historia son en vano. Puede que esta tuviera sentido y coherencia, pero el director sacrifica todo tipo de lógica para que la vivenciemos en primera persona. Resulta además errático, corregir esta adaptación, sin leer el libro en el que se basa.

VALORACIÓN: 6/10

     

Loreak

Las personas no mueren mientras no las olvidamos

Nos encontramos ante una película sencilla, delicada, alegórica, reflexiva y llena de vida.

Ésta comienza planteándonos el objeto de suspense, que no son más que unos simples ramos de flores o eso creemos al principio. A medida que avanza el metraje, estas llegan a convertirse en las protagonistas, siendo el objeto de proyección de sentimientos y emociones.

Esta obra vasca tiene como base la muerte, el recuerdo, el duelo. Sus pilares se construyen a través de tres mujeres, cada una con una forma de ser y perteneciente a una generación distinta. Por un lado encontramos a Ane, para quien las flores no son más que una señal de ilusión que llegan en un momento en el que está influenciada por un matrimonio que no está siendo satisfactorio y un sentimiento de que la juventud se le está escapando. Por otro lado tenemos la figura de la madre del fallecido, Tere, para quien la tradición y las habladurías del pueblo son su principal vía de influencia. Por último encontramos a Lourdes, la mujer del fallecido, quien actúa desde el impulso y la rabia, es el personaje que tiene el duelo más reprimido, su herida permanece abierta y se autoconsciencia en que tiene una nueva vida, cuando realmente esta sigue girando en torno a su difunto. Las tres no son más que flores de distinta tipología que se encuentran unidas en un mismo ramo.

La película está llena de simbolismos y presenta una forma original de plasmar la historia. Esta utiliza planos y secuencias repetidas desde distintos ángulos, dejando que los sentimientos corran, que el silencio se palpe y que la soledad se sienta.

Uno de los problemas que le encuentro a esta historia, es que le falta algo de atrevimiento y de garra. 

En ocasiones asistimos a un retrato demasiado simbólico y minimalista, con un ritmo excesivamente lento. Aún así, es un perfecto relato sobre el recuerdo, con una gran dirección y unas actuaciones muy dignas.

Lo mejor: Su particular forma de acercarnos al tema.

Lo peor: Su ritmo enlentecido y que está quizás excesivamente calculada, le falta algo de garra.

VALORACIÓN: 7/10

 

Samba

Lo importante es no olvidar quien eres realmente

"Samba" es una película agradable y entrañable, pero no va mucho más allá de lo correcto.
Son muchas las personas que han asistido a ver esta obra francesa, por el simple hecho de que su protagonista y directores eran los mismos que nos trajeron la excelente "Intocable".
Esta continúa con la esencia de aquella, gracias a su característica forma de tratar drama y humor a dosis perfectas, siempre con una permanente sensación feel-good. Sin embargo, la historia carece de la chispa y originalidad con la que estaba narrada su predecesora.
Este drama sobre la inmigración se pasea en la pantalla con una narración algo irregular, con subidas y bajadas, algo que a veces nos deja confusos. Por momentos estamos viendo una película sobre la inmigración y en otros olvidamos la temática de la obra, por la libertad de las acciones y la facilidad con la que se combaten ciertas barreras, que a priori eran más problemáticas de lo que parecían. Aún así, sus directores saben sacar partido a la historia, que a pesar de que pide más profundidad, estos no pretenden ir más allá de su enfoque superficial y agradable.
Su protagonista y en general su reparto hacen un muy buen trabajo, destacando a Omar Sy que es capaz de transmitir emociones en cada momento que aparece en pantalla.
Destacar de esta su música, que nos trae una BSO, si bien no tan buena como la de "Intocable", pero sí reseñable.
Lejos de sus clichés o su pretenciosidad ocasional, la película nos traslada con un toque personal e inteligente al mundo de la inmigración, aunque finalmente resulte ser una obra para soñadores.
Lo mejor: Su característica forma de tratar el binomio humor-drama y la interpretación de su protagonista.
Lo peor: La historia exige más y a veces resulta demasiado previsible.

VALORACIÓN: 6.5/10