La ciudad de las estrellas (La La Land)

Bailando bajo las estrellas

"La la land" es una película musical, colorida, nostálgica, enérgica, llamativa, divertida y excelentemente interpretada, sin duda, una película inolvidable. 

El fenómeno La la land ha llegado a España, después de arrasar en los Globos de Oro con siete estatuillas, está dispuesta a convertirse en todo un éxito en la temporada de premios. En España ha saltado directamente al número uno de nuestra taquilla, consiguiendo una llamativa cifra a la que no estamos acostumbrados y más viniendo de una película de estas características y no de un blockbuster o un film de animación.
Es difícil hacer una crítica completa de una película que transmite tantas sensaciones, todas ellas gracias a una combinación de elementos que saben dar con la tecla perfecta en el momento idóneo y conseguir elevar todo su material a la categoría de una magnífica obra, un regalo al cine actual.
Hablemos por tanto de esos elementos que funcionan de forma tan armoniosa en la historia:
En primer lugar, destacar las interpretaciones de su dúo protagonista, ambas poseen una química en pantalla magnífica y una vitalidad arrolladora. Su historia de amor es tan potente y posee tal autenticidad que nos identificamos con la misma y nos enamoramos de ella. En mi caso me quedo con la interpretación de Emma Stone; sus gestos, sus miradas, su enorme versatilidad, su espontaneidad y su personalidad, honran a su personaje y nos hace sentir y vivir esta historia un poco más de cerca.
Por otro lado, como no hablar de su música. Esta se expone en muchos sentidos, no solo hablamos de su excelente banda sonora con unas piezas musicales magistrales, sino también del enorme interés y entusiasmo que su director tiene sobre la música, en concreto sobre el jazz y que demuestra en esta, volviendo a hacer una reivindicación del mismo, de su elegancia y su maestría, acercándonos a este género musical como ya lo hizo en su anterior trabajo "Whiplash"
Los números musicales en ella juegan una combinación entre el clasicismo y la modernidad, entre la realidad y la fantasía, pura poesía visual y sonora. Un juego de movimientos perfectamente coreografiados, de enorme fluidez, capaces de esbozar una sonrisa en nuestros rostros e ilusionarnos con su resultado. Todos estos aderezados por una escenografía apabullante, de fondo llamativo, con una fotografía brillante y una letras que nos invitan a soñar y a creer en nosotros mismos.
En todos ellos percibimos un constante homenaje al cine de antes y a los grandes musicales, todo con un toque actual, lleno de frescura y de pasión.
Con respecto a la historia, quizás su punto más débil, no podemos hablar de mediocridad, pero tampoco podemos hablar de obra maestra. Su director, sabe lo que hace y como lo hace, es por ello que sin tener una historia que sobresalga o que nos sorprenda, es capaz de relatar una historia ya conocida por todos y darle una vuelta de tuerca, aunque sea en la forma de construirla y de presentársela al espectador. Al mismo tiempo incluye una serie de mensajes y un sello personal, que la separan del cliché y del carácter convencional de la misma.
En conclusión, la ciudad de las estrellas es quizás la película que todos estábamos esperando, pero que ni siquiera eramos conscientes de ello. Una película que habla de la vida, de los sueños. del amor, de la ambición, de la perseverancia y de la capacidad para creer en nosotros mismos, en nuestra fuerza para afrontar y lograr lo imposible, lejos del conformismo.

Lo mejor: Su dúo protagonista. Su arrolladora vitalidad, su carácter de ensueño y su magnífica BSO.
Lo peor: Su primera mitad es tan potente que en su parte intermedia decae un poco el ritmo y vuelve a realzarse en su pasaje final.

VALORACIÓN:8.5/10
 

Silencio

El camino inescrutable de la fe

"Silencio" la nueva película del maestro Scorcese es lenta, reflexiva, discursiva y profunda, quizás algo repetitiva y larga, pero de una épica intimista abrumadora.

Partimos de la base de una película que a diferencia de sus anteriores trabajos, no va dirigida al gran público. Su hilo argumental principal es la fe, ya de partida un tema que genera cierta controversia y que puede que aleje a más de un espectador.

Haciendo un análisis de la misma, en primer lugar hay que destacar su magnífica fotografía y el trabajo de cámara, capaz de captar detalles que dotan de vida la historia, de retratar paisajes que hablan por si solos y de filmar rostros cuyos sentimientos trascienden a través de la pantalla. Una capacidad sorprendente de retratar el tiempo en la misma y de usar los espacios, que cobran gran importancia en el relato. Las escenas de tortura son sobrecogedoras y están filmadas con un realismo y maestría que muchas se quedan perpetuadas en nuestra memoria.

Otro de los puntos reseñables, son sus interpretaciones, sin embargo, esta tiene un claro protagonista. Andrew Garfield consiguió hacer una buena interpretación en "Hasta el último hombre", pero en esta nos regala una actuación magistral y más viniendo de un actor tan joven y con una experiencia no muy extensa en cine. Una actuación compleja, profunda y llena de matices. Un trabajo de gran expresividad y exigencia, que lleva el peso de la historia.
Llegados a este punto, es necesario hablar del guión. Su complejidad, requiere un tratamiento sutil, en ocasiones poético, quizás metafísico, pero que su director ha sido capaz de captar a la perfección, aunque el propio reto de conseguir este objetivo, lleve consigo una serie de problemas.
 La historia que se nos presenta, nos adentra en un relato contenido, de ritmo pausado, en el que sin que la trama se estanque, nos sumerge en los pensamientos de sus protagonistas, nos hace participe de sus creencias, de su fe que se tambalea ante la duda y la falta de respuestas, de unos valores y principios que se ven puestos en peligro. No solo es una película que habla sobre la fe o que enfrenta el cristianismo extendido por los jesuitas frente al budismo de los japoneses, sino que habla también de la cultura, de las costumbres y de la identidad. No estamos ante una historia de buenos o malos, o en el que se nos imponga una creencia, en ella cada uno implora su fe y da la justificación de la misma, una fe sobre la que la propia historia va haciendo una reflexión, en la que se plantean más preguntas que respuestas, en la que se critican los radicalismos de la religión y los extremismos, cuyos actos de violencia contradicen los principios de la misma y cuya imposición es objeto de egoísmo e ignorancia.
En conclusión "Silencio" es una película que no está hecha para todos los paladares, que se aleja de la grandilocuencia de las bandas sonoras o las grandes escenas de acción. No hay manipulación en ella, todo es transparencia, no pretende gustar o dejar un buen sabor de boca.
Asumido esto no podemos decir que sea una obra menor en la filmografía de Scorcese. Una película que nos invita a pensar, a reflexionar sobre la fe en si misma y las creencias. El papel que juegan estas en nuestra vida, la importancia que toman sobre nuestros valores y principios, así como los límites de esa fe, los pilares que la sustentan y las convicciones que la mantienen viva. En definitiva, no hay fe más verdadera que la que siente uno mismo en su interior y confía plenamente en la realidad de la misma.

Lo mejor: Interpretaciones, fotografía, dirección y en especial la forma en la que nos adentra en su historia, nos invita a la reflexión y nos hace participe de la misma.
Lo peor: Es reiterativa aunque forma parte su objetivo final, excesiva en tiempo como consecuencia de ello y no fácil de digerir ante la ambigüedad de la proposición y su contradicción. La irónica figura de los japoneses chirría un poco en el conjunto y no siempre es encaja con la seriedad de la historia.

NOTA: 7/10

Animales fantásticos y dónde encontrarlos

Ampliando el mundo mágico

"Animales fantásticos y dónde encontrarlos" cumple en calidad, con unos personajes profundos, un universo perfectamente ambientado y mucha imaginación, sin embargo, su narración en ocasiones resulta difusa, excesiva en elementos y pobre en trama.

La película que da comienzo a una nueva saga relacionada con el universo de Harry Potter, supone una notable extensión del mundo conocido, atenta a los detalles, con referencias a la saga literaria y sin abusar de lo ya conocido, aportando nuevas ideas y fascinantes criaturas.
En primer lugar, cabría hablar de sus personajes y las actuaciones por parte de su elenco protagonista. Encontramos personajes que se alejan de los cánones habituales de los grandes blockbusters; la figura de una mujer afroamericana como directora del ministerio de magia neoyorkino, un protagonista complejo en el que se tocan teclas de su pasado sin ser desvelado, con un especial apego e identificación con las criaturas mágicas y con una personalidad un tanto peculiar, además de un dúo de mujeres protagonistas, una de ellas con personalidad e inteligencia pero con cierta patosidad en ejecución y otra representación de la feminidad pero con un amenazante tono sarcástico en sus intervenciones, quizás este último el peor definido. Todos los actores cumplen perfectamente y destaca en especial Redmayne, el protagonista de la historia. Tampoco podemos dejar atrás la actuación de Colin Farrell y sobre todo el personaje del actor Ezra Miller, con un oscuro pasado muy interesante.
Por otro lado y sin lugar a dudas lo más destacado lo encontramos en su magnífica ambientación. Imaginación a raudales en la mayoría de las escenas, un mundo mágico que tiene mucho que aportarnos y que nos deja con ganas de seguir explorando cada uno de los rincones y los conflictos que surgen en él.
Sus efectos especiales están cuidados casi siempre y su tono serio sumado a su mezcla entre realidad y ficción hace que el público se acerque interesándose sobre la temática y alejándose de su aparente carácter infantil de la propuesta. Y es que esta historia es más oscura de lo que parece y plantea más interrogantes de los que podría aparentar.
Con respecto a la trama o el guión de la historia, quizás uno de los problemas es que el exceso de criaturas mágicas presentadas, que si bien nos resultan interesantes, carismáticas y cercanas, aparecen como parte de una trama que pretende tratar varias temáticas que empeñecen ante la explicación y presentación de estas criaturas y que finalmente pretende darle importancia en su parte final sin haber creado un climax de intriga suficiente y dando una sensación de producto introductorio.
En conclusión, el debut como guionista de la escritora J.K Rowling cumple con nuestras expectativas, seguimos sintiendo la magia que en su anterior saga nos enganchó y aporta un cambio en su narración centrado en un mundo que no difiere tanto del nuestro, donde siguen estando presentes las diferencias raciales, el exceso de poder, la lucha entre las clases sociales y los radicalismos. Amplien su mente, despejen sus pensamientos y adentrensen en esta nueva historia, aunque quizás lo mejor este por venir.

Lo mejor: Ambientación, decorados, su tono más adulto y sus personajes.
Lo peor: Su narración algo inconexa y la falta de intriga de su trama. Una presentación que deja más pie a grandes revelaciones en futuras secuelas.

VALORACIÓN: 7/10

Passengers

Viaje hacia la nada

"Passengers" es una película visualmente fascinante y bien interpretada, pero con un guión tan predecible como repetitivo, de ritmo irregular y resultado algo fallido.

La nueva película de Jennifer Lawrence acompañada por la nueva estrella de Hollywood Chris Pratt, reunía todos los elementos necesarios para contarnos una historia apasionante, a priori su premisa era más que interesante. Sin embargo, a pesar de que nos adentramos en su historia de una manera sugerente, esta se va desarrollando en escena a un ritmo pausado, en el que pasado un cuarto de película, empezamos a percibir una historia que se basa más en la fascinación de su acabado técnico, obteniendo como resultado escenas muy impresionables para el público de masas y aún más fáciles de vender, pero irremediablemente vacío de contenido y de ideas.
A parte queda la falta de conectividad entre sus elementos, cierto es que contiene escenas que merecen ser vistas en pantalla grande, y que en ciertos momentos las interpretaciones de sus actores y su evidente química nos terminan transmitiendo sentimientos, sin embargo, en la unión de todos los elementos, algo falla y ese es su principal problema.
La película cuenta con una mezcla de género tales como drama, amor y ciencia ficción, al mismo tiempo que trata temas tales como la soledad, el instinto de supervivencia y la banalidad del materialismo, sin embargo, todo es tan superficial que queda en tierra de nadie, sus ideas no acaban de encajar y aunque se esfuerza en dignificar su metraje haciendo uso de sus mejores elementos, no terminan de resultar satisfactorios. Especialmente en su parte final, en la que el arranque de la acción o la actividad desenfrenada, no nos impresiona, nos entretiene pero acaba dejándonos la sensación de que se nos ha dado una presentación de lujo de sus elementos, para un resultado tan simple y poco llamativo, en el que el espectador se replantea si quizás se dio tanta importancia a ciertos aspectos que el resto se quedaron pobres.
Aun así no todo es malo y es que en lo que destaca lo hace de manera sobresaliente, un diseño de producción, ambientación y efectos especiales magníficos y una Jennifer Lawrence que se come la pantalla y vuelve a regalarnos una excelente interpretación, a pesar de que en ocasiones se vea lastrada por la falta de profundidad de ciertos elementos y la evidentes consecuencias de los mismos.
En conclusión, el resultado final es un viaje en el que todo reluce, de buena marca y prestigio, pero en el que acabamos dándonos cuenta de que a pesar de que nos ofrece todo lo que desearíamos y que nos fascina verlo en pantalla, nos sentimos vacíos, sin ilusión y sin algo que nos llene plenamente, aunque el acompañamiento en este, termine aflorando ciertas sensaciones en nuestro interior, pero que acaban teniendo una potencia un tanto intermitente e irremediablemente limitada.

Lo mejor: La química de sus protagonistas y su acabado técnico con unos efectos especiales excelentes.
Lo peor: No aporta nada nuevo, sus ideas se quedan en el aire, su poca profundidad y su previsible guión no están a la altura de lo presentado.

VALORACIÓN: 5.5/10

100 metros

"Don´t be afraid"

"100 metros" nos presenta una película inspiradora, emotiva, conmovedora y bienintencionada , sin embargo, en ocasiones resulta artificiosamente medida y con tendencia al sentimentalismo.

La película protagonizada por el monologuista Dani Rovira, llega a nuestras pantallas con una campaña bastante discreta, algo que sorprende al encontrarnos ante un material que puede llegar al gran público y más conociendo la afluencia masiva de seguidores de este actor emergente.

Uno de los pilares fundamentales en una película de corte autobiográfico, es el elenco de actores, ya que su función debe estar a la altura. En este caso, lo está y aunque la actuación de su protagonista no está nada mal, lo cierto es que cabe pensar que podría haber sido mucho mejor, eso sí, como todo gran papel requiere de un bagaje y una experiencia que el propio Rovira no tiene y que a pesar de ello consigue sacar hacia adelante con solvencia y con mejor resultado de lo esperado. Su compañera sentimental en la ficción, Alexandra Jimenez, vuelve a regalarnos una interpretación, que incluso en ocasiones se encuentra por encima de la de su compañero de reparto. Sin embargo, si alguien hay que destacar es a Karra Elejalde y es que a pesar de ciertas matices de su personaje algo estereotipados y una trama amorosa secundaria en mi opinión no del todo acertada, es el responsable de mantener en la película el equilibrio emocional, invitando a la naturaleza frente a una sociedad maniqueada por la tecnología y hablando de una enfermedad dolorosa como es la del propio tiempo. Un personaje que aporta la chispa que necesita la película.

Por otro lado, la narración de la historia se debate entre una mezcla semiefectiva de películas propias del género, a veces descaradamente metafórica y controlada, otras veces lineal y tópica, pero en otras salida de la linea habitual, aportando toques ingeniosos a su guión, especialmente la forma sutil y acertada de explicar la terapia de la enfermedad. Aunque la emoción esta presente de manera tibia en la historia, su tramo final, resulta totalmente emocionante, y es que  a pesar de su manipuladora puesta en escena es todo un soplo de vitalidad, además de todo un homenaje. Su fotografía y su banda sonora, forman un conjunto que consigue estar por encima de la media habitual y que a pesar de sus errores acaba transmitiéndonos una sensación de haber visto un producto español de calidad.

Uno de los aciertos de su guión es el juego drama-comedia, que en la mayoría del metraje destaca por aportar vistosidad a su conjunto, aunque como quien dice las comparaciones son odiosas y la película "Intocable" aún sigue intacta en nuestra memoria.

En definitiva, nos encontramos ante una película que no solo habla de la esclerosis múltiple y de las limitaciones que consecuentemente provoca en la vida de sus afectados, sino que habla sobre la grandiosidad del ser humano, capaz de engrandecerse ante la adversidad, de ver rayos de sol en un cielo nublado, de sentir esperanza y mantener su positividad ante un futuro incierto. Una enfermedad que limita, pero que no es capaz de romper ese instinto constante de superación, de no rendirse,de luchar contra todo, de romper todo pronóstico, de desafiar a la ciencia y de hacer posible lo imposible. Como si un milagro se tratara, son nuestras fuerzas unidas, a nuestro ambiente, a nuestro constante apoyo familiar y al amor que nos rodea, lo que hace superar obstáculos inquebrantables y metas imposibles. Todo una lección que demuestra que nuestras limitaciones solo lo son si nosotros mismos las concebimos como tal, pues nadie puede determinar lo que somos capaces de hacer, ni los objetivos que seremos capaces de afrontar y superar.

 "En esta enfermedad lo más importante es bailar con ella pero sin pisarle los pies"

Lo mejor: Sus interpretaciones y que a pesar de ser un género muy explotado, sigue resultando inspiradora.

Lo peor: Ciertas escenas que buscan la risa fácil y alguna trama secundaria fuera de lugar. Además de un conjunto en el que no cabe la improvisación, todo aparece en un momento y en un lugar demasiado milimetrado.

VALORACIÓN:7/10

Swiss Army Man

El triunfo de la amistad

"Swiss Army Man" nos presenta una película excéntrica, escatológica, lasciva, delirante, grotesca, original y única, compuesta por momentos fascinantes y otros desmesuradamente excesivos.

La película ganadora a mejor dirección en el festival de cine independiente de Sundance, ya traía una gran polémica por su excéntrica y disparatada historia, un muerto que aparece a las orillas del mar con flatulencias, vómitos y erecciones espontáneas. Este es el motor de una historia, donde vamos descubriendo un increíble relato , siguiendo una linea entre lo absurdo y lo terriblemente real, entre la comedia y el drama, una trama oculta que nunca deja que nuestros sentimientos caigan en la sensiblería, dispuesto a elevar nuestro animo cueste lo que cueste, a través de unos recursos en los que todo valen, con tal de desconectar al espectador, de hacerle reír, o bien de sorprenderle con una nueva pericia de su guión. Ahora bien esos recursos que en un principio funcionan, a pesar de su aspecto chocante y fuera de tono, acaban resultando en su tramo final excesivos, quizás nuestros intentos de conectar con su historia emocionalmente, terminan siendo en balde por el objetivo premeditado del director de esconder el drama, de celebrar el triunfo de que lo absurdo siempre es más divertido que la realidad y que los límites de lo absurdo no existen. La película es un claro ejemplo de que esos límites son difíciles de superar, el que esto sea un cumplido o no, depende del nivel de tolerancia del espectador.

Toca hablar de su dirección, uno de los aspectos más destacables de la película. Su factura es impecable, cuidada al detalle, original y creativa en su ejecución. Sus elementos están ingeniosamente creados y los recursos de los que dispone son explotados al máximo. Sin embargo, lo más reseñable es su estupenda fotografía, aderezada por una banda sonora que hace ecos de cine indie, siendo protagonista en la historia y creando momentos aunque suene paradójico, increíblemente fascinantes. Algunas de sus escenas hacen que merezca la pena su visionado, entre las que se incluyen ciertas descabelladas ideas que dificilmente podrían haber sido ejecutadas de manera tan airosa y triunfante como lo hacen en la película, partiendo de la base de lo absurdas, extravagantes o ridículas que suenan.

Todos estos elementos funcionan, gracias a dos actores que se vuelcan al cien por cien en sus personajes. Paul Dano, nos regala una magnífica interpretación emocional, al igual que Daniel Radcliffe que en este caso aporta una difícil actuación con grandes retos físicos.

En definitiva, una película que habla sobre muchos temas entre ellos el amor, la amistad, la soledad, la muerte e incluso el instinto de supervivencia. Sin embargo, a pesar del aparente hedor a muerte, resulta todo un triunfo de la vida en si misma. Su historia nos invita a vivir, nos muestra todo aquello por lo que merece la pena sentirte vivo, pues es eso lo que hace que ese aparente "muerto" cuya inminente destino es el suicidio, se mantenga vivo y su corazón vuelva a latir, gracias a esos sentimientos que afloran en su interior, que permiten que se emocione en los momentos más tristes, que se ría en los momentos más divertidos y que se ilusione, en este caso sentimientos compartidos con otra persona, que le haga sentir que la soledad no existe, que le permita compartir buenos y malos momentos, que le sirva de apoyo y que en definitiva puedan vivir su propia aventura que de sentido a su vida, dejando atrás todo aquello que le invita al camino de la desesperanza, hacia el peso del pasado, o hacia unas normas sociales o patriarcales asfixiantes. Una declaración de que siempre hay un propósito por el que mantenerse vivo y en este caso es la victoriosa amistad.

Lo mejor: Su dirección, su banda sonora y la actuación de sus protagonistas, sin olvidar la originalidad de la propuesta.

Lo peor: No es una película fácil de digerir, empeñada en romper el tono constantemente, difícil de encajar o de conectar cien por cien con ella, utilizado elementos como medio de entretenimiento en ocasiones excesivos, reiterativos y de carácter infantil.

VALORACIÓN: 7/10

    

Demolición

Desmontando las piezas de un mecanismo fracturado

"Demolición" nos presenta una película compleja, ruidosa, metafórica, quizás algo desconcertante, aunque inevitablemente humana.

El director de la aclamada "Dallas Buyers Club" nos trae una nueva historia, en este caso un drama psicológico con tintes de existencialismo.
La película que desde el primer momento se centra en una idea y objetivo claro, nos traslada esta a la acción de una manera precisa, haciendo un manejo de los elementos impecable, gracias sin lugar a dudas a una interpretación memorable como la de Jake Gyllenhaal, quién de nuevo nos regala un personaje lleno de matices y profundidad. Resultaría difícil captar la esencial del film de una manera tan singular y sugerente, sin la ayuda de esta magnífica actuación, acompañada también por un reparto que sobresale de la media habitual.
Aparentemente sorprende que un film tan aséptico, tan frío en apariencia, acabe finalmente tocándonos la fibra sensible y es quizás esta la grandeza del mismo, que sin ser una maravilla o sin resultar tremendamente revelador, es capaz de hacernos sentir empáticos con la misma.
Su principal planteamiento versa sobre el sentido de la vida, en el que quizás somos seres que vagamos de un lado a otro, sumidos en una rutina en la que somos incapaces de observar lo que nos rodea, sumergidos en un ciclo que se repite una y otra vez, donde incluso la improvisación no es más que producto de las posibles casualidades sobre las que estamos acostumbrados a desafiar.
Sin embargo plantea, que una rotura en esa rutina, un daño devastador, que se sale de esas posibles alternativas, puede que sea el que nos haga reaccionar, el que nos haga darnos cuenta de que hemos sido presos de un conjunto de elementos en los que no aparecemos nosotros mismos, sino nuestra sentencia guiada por una normas imposibles de desacatar. Es llegado a ese punto, cuando nos vemos en la necesidad de redescubrirnos, de abrirnos, como si un enorme reloj que deja de funcionar, cuyo complejo mecanismo desconocemos y al que necesitamos abrir. Sentimos entonces, la necesidad de conocer como repararlo y para ello requerimos saber de sus piezas y de su engranaje para poder encontrar la solución al problema. Quizás, es tal el shock que nos produce ese acontecimiento traumático que se sale de lo habitual, que no nos baste con desmontar y volver a montar, sino que necesitamos renovar, romper ese reloj y comprar uno nuevo.
Caminamos entonces en el sendero de la destrucción, del sentir lo que antes no tenía sentido, del detenernos a observar lo que antes parecía que no estaba ahí y de amueblar una mente rota que necesita una cura urgente, sino difícilmente volverá a funcionar. Tras alimentar esas necesidades, puede que llegados a un punto logremos salir del shock, quizás por un detalle de aquellos que en un principio no veíamos y que al final hemos logrado ver, un detalle aparentemente insignificante, pero que es capaz de aflorar en nosotros mismos todos aquellos sentimientos que parecían detenidos y que finalmente acaban por volvernos a ser humanos, volvernos a sentir la verdadera vida. Y si este es el punto final, entonces habremos superado ese dolor inocuo, que nos consumía por dentro sin darnos cuenta, pero que inevitablemente nos estaba desintegrando lentamente.

"Si quieres arreglar algo, debes desarmar todo y descubrir qué es importante"

Lo mejor: La interpretación de su protagonista Jake Gyllenhaal y una historia sencilla pero bien ejecutada. Sus tono irónico encaja mejor de lo esperado en este trágico drama.
Lo peor: A menudo demasiado desdibujada y quizás en otras ocasiones demasiado pretenciosa.

VALORACIÓN: 7/10

Que Dios nos perdone

Pecados sin perdón

"Que Dios nos perdone" nos presenta un thriller tenso, asfixiante, sobrecogedor, descaradamente gráfico, rodado con pulso y aderezado por unas excelentes interpretaciones.

El largometraje ganador al premio Donostia a mejor guión en el pasado Festival de San Sebastián, llega a nuestras carteleras apoyado por una gran ovación de la crítica, aunque no tanto por el público, debutando en una demasiado discreta séptima posición en el top 10 de estrenos en su primer fin de semana.
Nos encontramos ante una película que si bien, reúne elementos habituales en el género, resulta diferente a otras propuestas de las mismas características. Su director aporta su sello personal, gracias a un par de elementos dirigidos con maestría, capaces de sumergirnos en su atroz historia hasta llegar a un climax final estremecedor.
Uno de sus mayores aciertos es el estudio psicológico de sus personajes. Construidos no como meros objetos de la acción, sino como representaciones de dos personalidades contrarias, peculiares, elaboradas a través de un pasado turbio, en un ambiente de dificultades. Cada uno de ellos ayudan a construir esta historia, gracias a una visión de los mismos, que no se esconde de la realidad, que no recurre a soluciones basadas en lo aparentemente normal o habitual y que saca a la luz las atrocidades humanas y la violencia desmedida. Gracias a un pensamiento alimentado por unas personalidades sumergidas en la miseria, lejos de la apariencia.
La película se inicia de una manera pausada, descubriendo cada una de las claves de su historia, presentando a unos personajes, que encajan con ciertos elementos de la investigación, sospechosos, ásperos, cuyo trabajo parece ser un fondo para curar sus heridas, a pesar de ser inevitable que estallen sus carácteres en los momentos de mayor tensión, desafiando las normas establecidas.
Por otro lado, destacar su sonido y el tratamiento de su imagen y ambientación, donde el director dirige algunas escenas de acción escalofriantes, gracias a una puesta en escena siempre verosímil, capaz de mantener al espectador expectante en su desarrollo. Algunas escenas de la misma, resultan totalmente estremecedoras.
Por último como no, hablar de los actores, en especial al dúo protagonista, poco hay que decir de unas interpretaciones más que meritorias y que perfilan sus personalidades singulares y únicas, sin necesidad de estereotipos o tópicos de género. Sin lugar a dudas, ambas son de las mejores interpretaciones que nos ha regalado este año nuestro cine.
Concluyendo, nos encontramos posiblemente ante el thriller español de la temporada, una película cuya investigación policial sirve de objeto para retratar una sociedad paradójica, donde se exige seguridad sin respeto, donde la apariencia es su mayor baza y en la que la violencia rezuma en las acciones de sus integrantes. Una sociedad enfermiza, ahogada en sus problemas, donde los instintos son resueltos con hipocresía y donde la moneda de cambio usada es la misma que da comienzo al problema. En definitiva, la que de forma triunfante es capaz de celebrar la paz, en un ambiente de terrorífica miseria y violencia, intentando calmar y mantener sujeta la venda y el silencio de las masas.

Lo mejor: Sus protagonistas y una perfecta narración, capaz de sobrecoger al espectador y no soltarlo durante dos horas.
Lo peor: Ciertas resoluciones en la historia son de trazo grueso, quizás irónicas en su contexto, pero a lo sumo poco serias en su resultado.

VALORACIÓN: 7,5/10

Doctor Extraño

Magia adoctrinada por espiritualismo heroico

"Doctor Strange" es un viaje psicodélico, visualmente apabullante y creativamente diseñado, sin embargo, lastrado por un guión a medio gas que no termina de encajar en su conjunto.

La nueva aventura de Marvel, tiene a su favor, que no se parece en nada a lo que hayamos visto antes, al menos en lo que respecta a su estilo visual, ya que el guión lejos de su compleja metafísica, sigue su linea habitual, centrada en salvar el mundo de amenazas externas. Un guión en el que encontramos una narración "resultona" y de fácil digestión, pero lejos de la supuesta complejidad que plantea este universo espiritual. Si bien, no podemos olvidar algunos de sus reflexivos diálogos que aportan buenos planteamientos sobre la vida, la banalidad de las cosas y la obsesión por el control del tiempo.

Otro punto a su favor son sus interpretaciones, aunque realmente no es un apartado que termine por sorprendernos, ya que la película cuenta con un reparto de lujo, liderado en su mayoría por actores nominados al Oscar en los últimos años. Cumberbatch, cumple con su papel y además aporta una interpretación que se aleja del tópico, más humana y menos heroica. Si bien parte de culpa de ello lo tiene la construcción de los personajes, que en este caso es otro punto a su favor, ya que han diseñado personajes dotados de sentimientos, movidos por los sentidos, con preocupaciones y deseos de ambición.
Otro punto a tener en cuenta, es su humor, es quizás este un arma de doble filo, por un lado aporta amenidad a la historia, sin embargo, por otro nos desconecta en cierta manera de su narración y nos transmite una cierta pérdida de seriedad, que termina por hacernos sentir que ella misma no se toma enserio. Ya sea a favor o en contra, es capaz de hacernos disfrutar con ello, aunque resulta a veces forzado.
Llegados a este punto, creo necesario hablar del apartado visual, diseño de producción y efectos especiales. No solo estamos ante los mejores efectos especiales de una película Marvel, sino que aporta efectos novedosos, creativamente atrevidos, cuidados al detalle, coloridos y vertiginosos. Su experiencia en 3D, formato en el que tuve la oportunidad de visionarlo, ya es suficiente para comprar su entrada.
En definitiva, nos encontramos ante una propuesta que merece la pena ver en cines, aunque sea para apreciar este viaje narrativamente ambiguo, aunque siempre atractivo y en ocasiones sofocante.
Un universo que nos invita a reflexionar sobre los límites de lo humano y sobre lo que consideramos realidad, una realidad que quizás la hacemos tangible a través de un sistema ordenado en tiempo, pero que puede trascender hacia lo inimaginable a través de nuestra mente, que en definitiva es la que da control y sentido a nuestra realidad. Quizás la clave a nuestra cura está mucho más cerca de lo que creemos, pues la creencia en ello puede ser la mayor curación.

Lo mejor: Un buen elenco de actores y su grandeza visual. Algunas de sus imágenes pasarán a la historia del cine pulp-moderno.
Lo peor: Su historia deja cabos sueltos, necesitamos más explicación dentro de la confusión, sus planteamientos son buenos, sin embargo, sus cimientos resultan inestables y demasiado lineales. Una mezcla entre "Harry Potter", "Origen" y la más que fallida "Airbender".

VALORACIÓN: 6,5/10
 

Snowden

El ojo que todo lo ve

La nueva película de Oliver Stone resulta entretenida, sin ser fascinante; interesante sin resultar reveladora; atractiva y bien interpretada, pese a una falta de riesgo y un montaje demasiado correcto.

"Snowden" nos presenta una trama que revolucionó el panorama de la privacidad en la era tecnológica, un tema que ya fue abordado en el documental "Citizenfour" con éxito tras alzarse con la estatuilla a mejor documental del año en los Oscars. Aquí se presenta una dramatización de los acontecimientos, una historia que seguimos con interés aquellos que desconocemos grandes rasgos de este acontecimiento y que termina resultándonos reveladora y reflexiva. Si bien esta historia ya no resulta del todo original, ya que fue desarrollada anteriormente, y quizás mejor, pero esta resulta un buen acercamiento cinematográfico a lo ocurrido.
A nivel interpretativo, todos los actores cumplen con su papel y en el caso de Joseph Gordon-Levitt sobresale, recreando un personaje complejo, profundo y lleno de matices.
Donde quizás encontramos el mayor problema de la película es en su ritmo, todo resulta demasiado aséptico, correcto, si bien narrado con precisión, sin embargo, se echa de menos algo de riesgo que termine removiéndonos por dentro. En esta se pueden apreciar un par de planos interesantes y un par de representaciones con un punto de vista original, sin embargo, siguen lastradas por un tono serio y lineal, típico de los biopic. Aún así, resaltar la adaptación del complejo paradigma informático para poder ser accesible al gran público.
En definitiva, nos encontramos ante una historia que merece ser contada, que nos invita a reflexionar sobre hasta que punto somos conscientes del tratamiento de nuestra información o del concepto de privacidad virtual, y en el que la reivindicación del derecho a la intimidad se ve confrontado por una sociedad que necesita seguridad, quizás una seguridad por la que no todo estamos dispuestos a pagar con la usurpación de nuestros derechos humanos, pero en la que debe ser nuestra decisión como hombres libres la que determine este hecho. En un mundo en el que el aparente curso de la vida esta dominado por unas potencias que intentan mantener "un equilibrio" en el que la guerra es una mera tapadera hacia algo más grande conocido como control.

"No se trata del dinero, no se trata del poder. Esto es solo cuestión de principios"

Lo mejor: Una historia que debe ser conocida, narrada con precisión y que pretende llegar al gran público.
Lo peor: Su falta de riesgo y un ritmo algo pausado, puede que no termine de removernos lo suficiente, sin embargo, el material nos invita a una reflexión post-metraje.

VALORACIÓN: 7/10
    

Un monstruo viene a verme

Venciendo a la muerte

La tercera película del director J.A Bayona, resulta ser una obra sensitiva, intima, terapéutica, simbólica, arriesgada y engrandecida por una narración precisa, sutil e imaginativa.

La que se puede decir como la película española más esperada del año, llega a nuestras pantallas para cargar nuestros corazones de sentimientos, de magia y reflexión, y es que cada fotograma que se sucede está perfectamente engranado para trasladarnos de una manera tan sencilla, como si de una fábula se tratase, a un tema tan complejo y universal como es el duelo. En este caso aún mas arriesgado al centrarse en la figura de un joven de doce años, en una etapa de transición entre niño y hombre, periodo de maduración y de conflictos internos.
Si hay que empezar alabando algo en esta película es su narración. Resulta muy difícil hacer una mezcla entre fantasía y realidad, en las que incluso en algunos momentos ambas se fusionen, dando un resultado tan satisfactorio y al mismo tiempo con tanta fluidez y cotidianidad.
Todos los elementos que conforman la historia son presentados con maestría y se suceden a medida que se van creando cada una de las ramas de un árbol, convertido en monstruo de ojos grandes que alecciona a través de nuestros sentimientos y pensamientos. Destacar los cuentos que nos presenta este, en el que se fusiona la tempera con unos dibujos perfectamente diseñados, un aspecto técnico original e impecable.
No podemos dejar el apartado técnico, sin hablar de sus efectos digitales y el diseño de los escenarios, toda una demostración artística de diseño impecable. Así como una banda sonora que se convierte en un personaje más de la historia, una pieza que sin ser nada grandilocuente resulta destacable.
En el apartado interpretativo, encontramos un reparto que no solo cumple con sus interpretaciones, sino que las dota de profundidad, destacando al inmenso Lewis MacDougall, que nos regala una interpretación llena de matices, merecedora de un reconocimiento.
En definitiva, nos encontramos ante una película necesaria, que nos enseña a apreciar el valor de las cosas, que nos permite visualizar dos puntos de vista enfrentados imaginación vs realidad y la inocencia de un niño frente la madurez de un adulto. Una historia en la que no hay buenos ni malos, donde nuestras decisiones son nuestra única verdad,  y en la que el dolor que nos reprime y nos ocluye interiormente necesita ser libertado, en el que las mentiras piadosas no dejan de ser más verdaderas que las trágicas y sinceras, y en la que nuestros sentimientos necesitan ser canalizados hacia la vía de la superación y finalmente hacia la inevitable despedida.

Lo mejor: Nadie nos había transmitido con tanta sutileza y de forma tan reveladora el proceso de duelo desde la perspectiva de un niño. Técnicamente apabullante y mágicamente narrada.
Lo peor: Es una historia que de su sencillez nace su grandeza, quizás a aquellos que esperen mucho encuentren menos de lo aparentemente previsto y es que quizás sus cambios de tono constantes y la ambivalencia de sentimientos, así como la mezcla de géneros, hagan que a primera vista nos deje una sensación algo confusa.

VALORACIÓN: 8/10
     

Los siete magníficos

Tiros, pólvora y mucho polvo

El remake del clásico western "Los siete magníficos" resulta un entretenimiento tan digno como excesivo, tan divertido como plano y tan ensordecedor como prescindible.

La película nos presenta como atractivo un reparto más que conocido y es que alguno de ellos resultan todo un acierto, como es el carismático Chris Patt, que da el punto cómico a un embrollo donde la seriedad brilla por su ausencia y en el que en ciertos momentos resulta algo paródica.
El resto cumplen de manera correcta, sin ser detacables. El protagonista, Denzel Washington, resulta decepcionante, pues lejos de cumplir con las honorables imágenes en caballo, le falta garra y carece de profundidad, siendo su actuación excesivamente similar a "Equalizer". Sin embargo, no podemos negar que el entretenimiento está asegurado, al menos en la mayor parte del metraje, en el que no nos da tregua, visionando el paso constante de miles de balas cayendo al suelo a cada minuto.
Uno de sus principales problemas, se encuentra en un guión demasiado simplista, lleno de personajes desdibujados, con ciertos aires a western estereotipado y con un esquema demasiado familiar, sin profundizar en los personajes,valores o principios de la época y simplificando los conceptos a "los buenos" y "los malos".
Lejos de sus evidenciadas debilidades, encontramos una película con una factura impecable, rodada con precisión, con una banda sonora correcta y una imagen reseñable.
En definitiva, si lo que deseas es una película entretenida que te traslade al lejano oeste y puedas rememorar los escenarios de los grandes westerns, puede que sea tú película, sin embargo, si buscas una película con personalidad, estilo y con una historia épica, tus expectativas no serán alcanzadas.

Lo mejor: Técnica y montaje destacables, especialmente por evitar el exceso de efectos digitales que inundan las grandes producciones.
Lo peor: Su historia resulta vacía, es un entretenimiento palomitero y fácilmente olvidable, desafortunadamente.

VALORACIÓN: 6/10

El hombre de las mil caras

"Nadie dijo que hacerse rico saliera barato"

Alberto Rodríguez nos presenta un thriller que avanza a ritmo frenético; entretenido, rocambolesco, algo complejo e incluso divertido, aunque con una intensidad que no siempre se acaba manteniendo.

Esperábamos con ganas la llegada de esta película, no solo por su temática que nos incumbe a todos los españoles y que ha sido comidilla de la prensa durante los años 90, sino por preceder a la ovacionada y premiada "La isla mínima". Aquella película rodada con maestría y centrada especialmente en sus personajes, haciendo un estudio psicológico de los mismos, deja paso a un film con una historia más grande, basada en hechos reales, en la que se pone de manifiesto que la realidad supera con creces a la ficción. Entre sus puntos fuertes encontramos: su factura impecable, su guión y la estructuración del mismo, así como un cierto aire sarcástico que inunda su historia. Tras su comienzo arrollador y llegados a su magistral desenlace, acaba obligándonos a hacer una reflexión ya no sobre la política española, sino sobre los valores y principios que nuestros representantes tienen y la escasa denuncia social existente.
Si algo tenemos que achacarle a esta película es que sufre un cese de ritmo en su nudo, en cierta medida, debido a un exceso de complejidad en la trama, que no deja asimilar todos los pasos de sus personajes y que acaba agotando al espectador. Al mismo tiempo, es tal el material de la misma, que da la sensación que quizás el resultado podría haber sido aún mejor, sin embargo, posee la seriedad suficiente como para elevarla por encima de los thriller políticos americanos habituales y de llevar el sello de cine español de calidad.
Las actuaciones en la misma son correctas sin más, exceptuando a Eduard Fernández que nos regala una gran interpretación, ya reconocida en el Festival de San Sebastián con el premio a mejor actor.
Concluyendo, nos encontramos ante una película que nos mantendrá pegados a la butaca, dejándonos un buen sabor de boca, al mismo tiempo que nos transmite un mensaje mayor en el que todos somos protagonistas. En nuestras manos está que se sigan permitiendo este tipo de actos, pues al fin y al cabo esta trama llena de corrupción y estafa, nos inunda hoy día más de lo que pensamos.

Lo mejor: Su guión y su factura impecable, sin olvidar la interpretación de su protagonista Eduard Fernández.
Lo peor: Su ritmo decae a la mitad del metraje y en ciertas ocasiones la trama se pierde en su complejidad.

VALORACIÓN: 7/10

Palmeras en la nieve

Lazos de sangre que se pierden en el mar

"Palmeras en la nieve" es una película visual, dramáticamente escueta y algo pretenciosa, sin embargo, posee unos aires superficiales de cine épico que la engrandecen.
La gran superproducción del año llega a nuestras pantallas pisando fuerte, aunque solo sea por su grandilocuente y preciosista envoltorio. Esta obra basada en el bestseller de Luz Gabás, se percibe como una producción de lujo, en la que contrastan las imágenes del frío Orense, con las del clima tropical de la Guinea Ecuatorial.
La historia que se nos presenta, resulta en todo momento interesante. Esta utiliza el recurso de presente/pasado, para a partir de ese juego de tiempos, ir construyendo el árbol genealógico de una generación descendiente de la época del colonialismo español, en la que los españoles convivían con los residentes negros, utilizados como esclavos para la explotación de las tierras.
Sin embargo y a pesar de contar con todos los recursos necesarios para convertirse en una gran historia (amor, agitación política, conflictos...), nos encontramos una historia que cuenta, pero no profundiza, que narra, pero no reflexiona. Como si a un cuento moral le eliminamos la moraleja. Esto hace que en ocasiones esta parezca un melodrama de lujo algo telenovelesco.
Por otro lado, su metraje excesivo, no se hace demasiado pesado, pero termina provocando unos ciertos altibajos y creando un ritmo algo irregular.Ahora bien, no quiero decir con esto, que a la película le sobre metraje, simplemente que este no se ha gestionado todo lo bien que debiera y eso ha jugado en detrimento de la historia, que termina perdiendo nuestro interés por momentos y disminuyendo la emoción del suspense que plantea.
A pesar de todo esto, durante la película no se me quita la sensación de que estamos ante algo grande y ambicioso, y es que esta cuenta con un diseño de producción impresionante. Un diseño que no tira de efectos especiales excesivos, sino que explota al máximo sus recursos.
Observamos las hermosas llanuras, sus frondosos arboles, sus extensas playas, sus coloridos pájaros e incluso el polvo que se levanta bajo el sol abrasador. Es su carta de presentación lo más destacado, su exposición de la esclavitud de las personas de raza negra, las costumbres de estos, sus tradiciones, sus ideologías y su desgaste físico y psicológico, aparecen expuestos de una manera muy fiel.
Al mismo tiempo, gracias a su magnífica ambientación, nos termina adentrando en la selva y haciéndonos participes de las agitaciones y cambios en el trascurso de los años.
Sus potentes imágenes, sus planos aéreos y algunas de sus secuencias más inspiradas, son las que hacen que intermitentemente sintamos la historia desde dentro, sin sobrecogernos, pero dejándonos prendados por su concepto visual.Todo engrandecido más si cabe, por una más que correcta banda sonora y por un vestuario muy cuidado.
En cuanto a las interpretaciones, Mario Casas nos presenta un trabajo irregular, a veces solvente y otras veces totalmente plano. Una cierta falta de expresividad y personalidad, hacen que su actuación no termine de convencer y es que da la sensación de que no termina de creerse su personaje, no profundiza en él. Más acentuado en este caso, pues este tiene un peso muy importante en la película. De haberlo hecho bien, podría haber sido muy destacable, gracias a la gran oportunidad de lucimiento que el personaje ofrece. Podemos decir que cumple y responde al perfil bastante bien, pero no está a la altura.
Con respecto al resto de actores, en cuanto a interpretaciones masculinas, todas terminan siendo muy justas, con tendencia a la sobreactuación. En el caso del reparto femenino, cumplen un poco mejor, con una actriz revelación dulce y trágica (Berta Vázquez) y con un papel secundario bastante agradable de la ganadora del Goya Macarena García.
Esta superproducción española supone un paso más hacia adelante del cine español, aunque con una cierta falta de estilo, aun podemos comprobar detalles en esta, que solo nuestro cine nos puede regalar y es que no queremos comparaciones que nos halaguen por nuestro parecido con producciones americanas que sobrepasan los 100 millones de euros, queremos que las nuestras se identifiquen por un sello propio.
En conclusión, nos encontramos ante una película para el gran público, entretenida y excelentemente elaborada, pero sin mayor trascendencia que la de algunas imágenes que quedan grabadas en nuestra retina.
Lo mejor: Sus aires de gran producción y el magnífico diseño de producción.
Lo peor: La falta de contextualización histórica, su ritmo algo irregular y lo lineal que resulta.

VALORACIÓN: 6.5/10
 

La novia

"Y te sigo por el aire como una brizna de hierba..."

"La novia" es una película delicada, hipnótica, estilísticamente atrevida, intermitentemente poética, pero algo inconexa y con una cierta falta de emoción.
Esta obra española, dirigida por Paula Ortiz y que supone la adaptación libre del clásico lorquiano "Bodas de Sangre", es una de las películas más sugerentes y ambiciosas que nuestro cine patrio nos ha regalado. Esta adaptación suponía un reto, por el hecho que supone adaptar al cine una obra de teatro poética que contiene numerosos elementos fantásticos. El resultado final, queda en un medio intento satisfactorio, que sorprende en algunos aspectos, pero no termina de encajar en otros.
Su directora ha optado por una adaptación visual y sensorial, para que el espectador se haga participe de esta trágica historia de amor pasional, dejándose llevar como una hoja que levanta el vuelo.
A nivel de dirección, nos encontramos una película que utiliza numerosos recursos de estilo. Estos recursos están explotados hasta su máxima expresión, consiguiendo en algunas ocasiones unas imágenes de una belleza impactante, que rezuman poesía y que reviven las lineas del texto original con una fidelidad tangible. Sin embargo, el optar por esta vertiente supone un riesgo, en cierto modo el uso de estos, va en detrimento de la fluidez de la historia. El tremendismo estilístico hace que en ocasiones sea muy difícil encajar las escenas, dándose poca importancia a los diálogos y centrándose especialmente en los sentimientos de la protagonista, descritos de una manera impecable.
De esta forma observamos una adaptación más centrada en el papel de su protagonista "la novia" y no tanto en otros principios férreos de la época que si bien se nombran, pero que no se les da la importancia que en la obra lorquiana tienen. La tierra, la honra y el sistema patriarcal son tratados de manera rápida, simplemente como reproducciones del texto.
Con respecto a los recursos que utiliza, en ocasiones alcanzan un climax de perfección que elevan la calidad de la cinta. Sin embargo, hay escenas en las que no terminan de ser acertados y da una sensación externa de quedar muy forzados y demasiado literales.
Otro de los grandes pesos de esta película y que se valen de su buena dirección son sus potentes imágenes y su sutil banda sonora. Dos elementos que dotan de sentido y sensibilidad a la historia, que aportan aires a clásico instantáneo, al mismo tiempo que se fusionan consiguiendo momentos intensos, delicados y hermosos.
Un punto y aparte merecen sus interpretaciones. Especialmente y destacando muy por encima de todo el reparto, la actuación de Inma Cuesta. Sus gestos y sus miradas nos transmiten un augurio constante de la tragedia, siendo cada vez más intensas las sensaciones que nos transmite. Sin lugar a dudas, es una de las mejores interpretaciones del año.
Con respecto al resto del reparto, todos hacen un trabajo correcto, pero en mi opinión, no hay grandes interpretaciones, a pesar de que esta historia las requería. La actriz que interpreta a la madre, hace un buen trabajo, pero en ocasiones se echa de menos un poco más de garra. Su interpretación transmite frialdad y dolor, pero sus diálogos parecen demasiado reproducidos. Algo parecido le ocurre a Alex García, que simplemente cumple con el papel pero no trasciende de él como si lo hace su compañera de reparto. Por último decir que en mi opinión resulta fallido el papel de Asier Etxeandia como novio, pues su personaje requería de una caracterización y unos rasgos que no encajan con este.
Por último hablar del guión de esta. Ya he comentado que considero que nos encontramos ante una adaptación bastante fiel al clásico, en cuanto a la buena representación de lo descrito en el libro. Sin embargo, la película cuenta con una serie de fallos, entre los que se encuentran algunos desajustes con la época que describe y con las costumbres de la misma. Pero si en algo me ha decepcionado es en su tramo final, que es cuando el libro alcanza su mayor climax y que en la película no cumple con las expectativas creadas, tras un tramo más que notable.
La decisión de su directora de desarrollar el tramo final de día y sin tener en cuenta los dos grandes bandos en los que se divide la deuda de sangre, la alejan del clásico en el que se basa. Su directora prefiere acabar centrándose en la novia y no tanto en los elementos fantásticos y costumbristas de la época. Un punto de vista diferente, pero que mi opinión acaba resultando pesado y repetitivo, en lugar de emocionante.
En conclusión, la novia es todo un espectáculo sensorial, lleno de vitalidad y sentimientos, interpretado de manera magistral por Inma Cuesta y dirigido de manera delicada y detallista, pero que sin embargo, su conjunto no termina de funcionar como los elementos por separado lo hacen, resultando una película no del todo redonda, pero si ante todo admirable.
Lo mejor: La magnífica interpretación de Inma Cuesta. Su banda sonora, su ambiciosa puesta en escena y algunos momentos que transmiten pura poesía.
Lo peor: Su guión da poca importancia a algunos elementos esenciales de la obra lorquiana y su grandilocuencia termina pagándose con una cierta falta de fluidez y de emoción.

VALORACIÓN: 7/10
   

Techo y comida

Esperando el rescate que nunca llega

"Techo y comida" es una película dura, sincera, realista, emotiva, atenta a los detalles y en definitiva, un retrato de una sociedad inundada por una profunda crisis.
Esta pequeña obra, sacada adelante sin financiación pública, pretende ser una oda a todas aquellas personas que luchan cada día por sobrevivir y por permanecer bajo un techo que les cobije. La denuncia que presenta la película, no pone en tela de juicio a ningún gobierno ni a ninguna fuerza política, sino que nos incluye a todos los españoles, como responsables de vivir con una venda que nos impide no solo ver a estas personas necesitadas, sino empatizar con ellas, algo que resulta más difícil por el simple hecho de que las catalogamos y clasificamos por estereotipos.
La película está plagada de pequeños detalles y momentos que se quedan grabados en nuestra retina. Todo esto no hubiera sido posible sin una interpretación portentosa y honesta, como es la de Natalia de Molina.
La actriz, que ganó el premio Goya revelación por "Vivir es fácil con los ojos cerrados", da una lección de interpretación. Una actuación que no necesita de maquillajes excesivos, ni de sonidos sentimentaloides de fondo, ni de unas escenas emocionalmente manipuladoras. Simplemente consigue meternos en la piel de la protagonista, analizando sus rostros, sus actos, sus cambiantes estados de ánimo, su lucha en el día a día, su inocencia y su vergüenza interna que la hace llevar todo el peso encima.
Sin duda, se trata de una radiografía de tantas otras historias que aquí aparecen personificadas en la protagonista.
Por otro lado, Jaime lopez, el actor que interpreta al hijo de Rocío, nos regala una buena actuación, sin resultar forzada y dando siempre un toque de bondad, a una historia que necesita urgentemente nuestra reacción. Destacar también las interpretaciones secundarias.
La dirección de Juan Miguel del Castillo, sin ser pulida al máximo, consigue planos y silencios que nos transmiten un retrato lleno de soledad y de dolor. Sin lugar a dudas, lo más acertado, es su escena final, junto con unos créditos que chirrían en nuestros oídos y que ponen el colofón a la historia.
Con respecto al guión, aparentemente podamos pensar, que esta historia se articula como una especie de documental, que relata las desgracias de una familia que hace frente a su situación de pobreza. Sin embargo, si lo analizamos, observamos una historia medida al milímetro, con multitud de guiños y elementos para la reflexión del espectador. Todos y cada uno de los personajes juegan un papel esencial, desde la chismosa del barrio que nos recuerda aquellos tiempos en los que tocaba algo en la lotería y en el que las cifras de parados no eran el principal motor de las noticias, hasta el jefe explotador y la madre acomodada del compañero de clase del hijo de la protagonista. Sin embargo, la que más nos llegan, son la vecina que se compadece y da lo que tiene y la mujer del casero quién empatiza con la protagonista, pero se ve colapsada por un momento donde la crisis solo se escapa de los más privilegiados. Personajes que muestran el lado más humano y solidario de nuestra sociedad.
El hecho de que todo esté tan medido, hace que en ocasiones, nos resulten demasiado calculadas la sucesión de desgracias que experimenta la protagonista, o la coincidencia de fechas con respecto a lo acontecido en la misma. Y es que esto es lo que la diferencia de un documental, esta no solo es una herramienta que muestra la realidad, sino que es un documento de denuncia y un objeto de reflexión y concienciación invidividual.
En definitiva, es una película necesaria, que no solo nos sirve para ver y reflexionar sobre las injusticias existentes en el país, sino que nos hace pensar sobre la posición que ocupamos nosotros en esta crisis y nos deja ver la otra cara de una moneda en la que en una simple tirada al aire podemos aparecer nosotros.
Y es que quizás, mientras andemos por la calle volvamos a ver a otra mujer como Rocío vendiendo folletos de compro oro. Y es que lo que realmente engrandece esta película, es que ya no podremos verla con los mismos ojos.
Tasa de paro elevado, empresas cerradas, disminución de plantilla, ausencia de trabajo, disminución de ayudas, deshaucios, aumento de la pobreza...
Si esto sigue así, todos terminaremos quitándonos esa camiseta que nos representa...
Lo mejor: La interpretación de Natalia de Molina. Su puesta en escena sincera, realista y honesta, además de su capacidad para apreciar los detalles y dotar de personalidad los lugares.
Lo peor: Se echa en falta una mayor profundización en los personajes y algún que otro golpe más brusco que termine retorciéndonos al ver la situación expuesta en la película.

VALORACIÓN: 8/10
  

Regresión

Sugestionando los recuerdos

"Regresión" es una obra menor, bien interpretada y ambientada, con unos notables aires de intriga, pero desafortunadamente fría, impersonal y carente de emoción.
La nueva y tan esperada obra del director español Amenábar, llevaba generando expectación desde que se anunció el proyecto, ya que además suponía la vuelta del cineasta al género del terror, que tanto éxito le había traído con la película "Los otros". Después de una larga espera hoy he podido visionar su película y el resultado deja una sensación de una cierta indiferencia, alimentada por multitud de factores.
Si la pregunta que la gente nos hace a la hora de plantearse si ir o no a ver esta película, es si esta es buena, le diremos a medias. Si por otro lado la pregunta que nos plantean, es si merece la pena verla, le diremos tal vez. Por lo que sacamos en conclusión de que nos encontramos ante una película más, que entretiene, pero que no deja huella. Llegados a este punto, se genera un problema y es que el estreno al que asistimos no viene de la mano de un director novel, ni de un director cualquiera, sino que viene de uno de los mejores directores del cine español, lo que suma puntos para que el espectador pida mucho más. Y ya para rematar, tenemos los queridos trailers, pensados y sincronizados al milímetro para generar gran expectación en el espectador.
Una vez asumidos el producto que se nos viene encima, estaría bien valorarlo objetivamente.
Vayamos a los puntos positivos y serán ellos mismos los que nos lleven a los negativos, pues los recursos utilizados no son malos, sin embargo, no están empleados de una manera original o inteligente.
Partimos de la base de una historia, que es como bien nos muestra el trailer, una investigación. Todo transcurre con un clima de misterio e intriga muy bien trabajado, gracias a una ambientación y caracterización de los escenarios y de la época, realmente destacables, de hecho, es lo más atractivo de la película. Los actores hacen además unas actuaciones más que decentes, siendo Ethan Hawke el personaje más destacado, a pesar de que su actuación nos recuerde un poco a la que hizo en la cinta de terror "Sinister". Por otro lado, su compañera de reparto Enma Watson cumple con su personaje, sin embargo, considero que este pide más expresividad y siniestralidad. Sus muecas reiterativas no siempre son acordes al momento, pero realmente tampoco podemos echarle la culpa, pues su personaje se lleva el premio al más tópico y previsible de la función.
Con respecto a la banda sonora, esta podemos decir que es correcta, pero se echa de menos una pieza más atrapante e intensa, que genere una mayor tensión al espectador. La pieza última es la más destacable.
Como bien dice en un momento de la película, esto puede ser algo más grande, pero esta claro que algo ha impedido que se cumpliera; el responsable: su guión. La película es entretenida e interesante durante todo el metraje, sin embargo, eso no lo es todo cuando estamos resolviendo un gran caso, la guinda del pastel siempre debe estar en su resolución.
Al director español parece que no le preocupaba demasiado que este enigma fuera desvelado antes de tiempo, dejando una serie de pistas más que evidentes en este rompecabezas, cuya resolución deja al espectador con la sensación de que solo faltaba una declaración "oficial" en la misma. Además como muchas veces ocurre en esto del género de lo sobrenatural, la seriedad en ocasiones desentona en el conjunto, lo que nos lleva a que algunas situaciones resulten un tanto ridículas.
La evidenciadas pistas son uno de sus mayores errores, pues están lleva a que a pesar de que en su desarrollo haya interés, a medida que va acercándose el final termine en parte perdiéndose. Por otro lado se percibe una falta de fluidez. Vemos que a lo largo del metraje, se van haciendo declaraciones, con las que el caso va avanzando, pero no se aprecia una sincronización entre lo expuesto. Eso impide que las relaciones entre los personajes queden claras y que la linea temporal de la investigación quede definida.
Existe además una falta de emoción, ya que no hay nada que alarme nuestros corazones y realmente nos mantenga en alerta o termine sorprendiéndonos. Para mi lo peor de la película, junto con su falta de ambición.
A todo esto le unimos, esos aires que tiene de previsibilidad y de semejanza con otras historias.
Sin embargo, podemos ver ciertos atisbos de personalidad en la historia. La temática de los miedos humanos culturales, son para mi lo más destacable del film.
Si miramos la película de manera más global, vemos una historia que nos habla del miedo y de como este puede afectar a nuestra mente o a lo sumo a nuestros pensamientos. Aquello que nos genera un malestar enorme y que no siempre somos capaces de controlar. El personaje principal de la película representa un buen ejemplo de la manipulación que este puede hacer sobre nuestra realidad, anulando nuestra racionalidad y nuestros mecanismos de defensa. Es aquí donde vemos una lectura sobre la religión (creencia) y la ciencia (objetividad), siendo esta primera la peor parada en esta historia.
En el final, una vez resuelto el caso, la película se atreve a dar una pincelada débil, aunque efectiva, sobre lo fácilmente influenciables y manipulables que somos la sociedad, sobre todo en el caso de las noticias sensacionalistas, en las que somos capaces de juzgar sin saber, únicamente movidos por lo que nos cuentan, convirtiéndonos en seres más emocionales que racionales, más hipócritas que sinceros. La propia película lo define como histeria colectiva.
En conclusión, la película es una obra que nos hace pasar un rato entretenido, pero que se termina haciendo pequeña por su falta de riesgo y en parte por una historia que no da más de si misma.
Lo mejor: Su ambientación y el buen uso de la intriga que la hacen más atractiva por fuera que por dentro. La temática del miedo humano.
Lo peor: Es un thriller más, quizás demasiado correcto. Su falta de ambición delata su semejanza con tantas otras películas de este género.

VALORACIÓN: 6/10
 

El desconocido

Una llamada que dio sentencia

"El desconocido" es una película frenética y adrenalínica, dotada de buenas actuaciones, pero con un guión demasiado esquemático y lineal.
Esta obra española, protagonizada por Luis Tosar, parte de una base de la que podríamos decir que se pueden extraer recursos, sin embargo, acaba vendiéndose al típico thriller hollywoodiense, que tantos seguidores tiene en todo el mundo y que de manera tan repetitiva nos llegan a nuestras pantallas. Esto genera una controversia de opiniones, siendo esta la razón por la que la película ha obtenido un resultado algo discreto ante la crítica, pero muy bien acogido por la mayoría del público.
Si la analizamos, podemos observar una serie de aspectos positivos por los que merece la pena no perderse su visionado.
En primer lugar y uno de los puntos fuertes de la película, es el gran Tosar, y es que aunque no podemos decir realmente que los papeles que este actor interpreta difieran mucho unos de otros, ya que siempre aparece encasillado en torno a un perfil concreto, suele acabar dotándolos de una fuerte personalidad. Aquí nos brinda una gran interpretación, de hecho una de las mejores de su carrera, en gran parte porque el peso de la película lo sostiene su personaje, un papel dificil, muy emocional y realmente estresante. El resto del reparto cumple, haciendo un trabajo decente, pero siempre ensombrecidos por la interpretación de Tosar.
Por otro lado, otro de los pesos fuertes de la película es la dirección unida a una fotografía y montaje impecables. Se le da mucha importancia a los planos, tanto en primera persona, como los situacionales, aéreos y de 360º. Cuidando en especial detalles como los gestos y las miradas en primera persona, además de dar protagonismo al entorno, quedando contextualizado el momento. Las secuencias de acción a ritmo de cámara en mano, aportan un toque de emoción muy calculado, algo que sorprende al encontrarnos ante una dirección novel.
Los efectos especiales y el realismo de grabación de las secuencias, es otro de los aspectos más destacables del film, son los justos y necesarios, siempre tratados con una factura impecable.
Y finalmente el aspecto más atractivo y el más directo vía público, es que nos encontramos ante 102 minutos de puro entretenimiento. En esta no hay tiempo para presentaciones, directamente el espectador se adentra en un viaje abordo de un coche, en el que no faltan dilemas morales y en el que el dinero es el objeto de la codicia. Un viaje en el que se palpa una constante impotencia, tensión, angustia y sufrimiento, sin dar tregua y con un ritmo que mantiene al espectador en vilo constante e incluso dando golpes de efecto cuando da la sensación que este va a decaer.
Ahora bien, todo no es bueno y uno de sus mayores errores se encuentra en su base, su guión. En primer lugar, partimos de una base para nada original, ya vista en numerosas películas, y es que la venganza es un tema ya bastante desgastado y en este caso se asemeja mucho al del film americano "Última llamada". Aun así, su director se las ingenia para sacar todo el partido posible al recurso del coche bomba.
A medida que avanza la trama todo nos resulta demasiado familiar, la historia se engrana en torno a una base de tópicos demasiado vista, dotándola en ocasiones de un aspecto nada favorecedor de telefilm de entretenimiento. En algunos momentos, los detalles de la trama terminan de ser cuidados y medidos, perdiendo en cierta manera credibilidad y resultando demasiado ilógicos y con ciertos aires de despiste. Con esto no quiero decir que la película necesita verosimilitud para tener un buen guión, no se basa en eso, se basa en vender el material tratando de cubrir de manera inteligente, aquellos recobecos del guión que en la realidad, hubieran hecho que la película terminase 50 minutos antes. Se puede decir que esa es la magia del cine, ilusionarnos. Los buenos trucos de magia, son aquellos que nos hacen creer en ellos.
Después de todo aunque nos encontramos ante un guión bastante flojo, las actuaciones dotan a la historia de cierta personalidad y no precisamente por los diálogos, sino por las expresiones y gestos, que son los que realmente adquieren un sentido en esta historia de supervivencia, con cierta moraleja, pero en cierta manera crítica con la sociedad actual y el momento.
Finalmente decir, que hoy en día percibo un cierto dilema en el cine español. Personalmente considero que ya queda más que demostrado, que como quién dice, somos capaces de aprovechar hasta el último céntimo para tener un acabado muy a la altura de superproducciones de hollywood. Sin embargo, noto que muchas veces arriesgamos en lo técnico, sorprendiendo cada vez, pero sellamos nuestra impersonalidad con guiones demasiado manidos, que simplemente nos sirven como nexo para hacer una mayor venta comercial de un producto final, que sabe demasiado a condimento.
Lo mejor: Es puro entretenimiento. La gran interpretación de Luis Tosar.
Lo peor: Un guión demasiado esquemático e impersonal.

VALORACIÓN: 6.5
    

Los héroes del mal

Dolor sin heridas físicas

"Los héroes del mal" es una película original, transgresora, íntima y de una enorme crudeza, en la que su imperfección e irregularidad son sus mayores triunfos.
Esta obra española que fue presentada en el Festival de cine de Málaga y que obtuvo una mención por la actuación de Emilio Palacios, integrante del trío protagonista, se trata de una película que se aleja del convencionalismo e intenta mostrarnos un enfoque diferente sobre el tema de la adolescencia y el acoso escolar. Un punto de vista llevado al extremo, quizás en ocasiones excesivo y chocante, pero realmente revelador.
Haciendo un análisis conciso de la historia podemos apreciar en ella dos partes. La primera parte nos plantea una mirada hacia la adolescencia en el contexto del acoso escolar. En primer lugar podemos apreciar una sociedad en la que cada adolescente juega un papel, desde el "chulito" de turno hasta la "sabelotodo", terminando por el "gordo pelirrojo" del que todo el mundo se ríe. Un planteamiento que parece demasiado tópico, pero que termina vislumbrando lo absurdos que son los canones que rigen esta etapa de la vida, en la que las influencias y la falta de una personalidad establecida, terminan haciéndonos participes de esta articulación. Después de esto, nos acerca hacia la mirada de los "diferentes" o "apartados" aquellos que son vistos con pena desde fuera y que interiormente sienten la necesidad de explotar, de vengar su dolor, sin embargo cayendo en la tentación de pagar su rabia con la misma moneda de cambio, la violencia. Es aquí donde comienza por parte de este grupo una necesidad de enfrentarse a la sociedad, partiendo de una única ley, la del libre albedrío, ya sea a través de robos, actos bandálicos y consumo de drogas. Todo visto de una manera "guay" o divertida por sus integrantes, como si de un juego de niños se tratase, en el que la venganza alimenta su felicidad, liberando las tensiones interiores y manteniéndolos vivos. Sin embargo, la película llega un momento en el que toma un cambio de rumbo y este lo observamos cuando se marca de manera acusada los sentimientos de cada protagonista y los problemas que interiormente llevan cada uno. En la película lo muestra a partir de la introducción del sexo entre el trío protagonista, siendo este el elemento que termina separándoles y provocando un bucle de celos y falta de compresión entre ellos.
Esta segunda parte esconde una mayor complejidad, los personajes avanzan mucho más, conocemos que es lo que les preocupa y les inquieta, separando un claro protagonista de la historia, el personaje interpretado por Jorge Clemente. Quizás esta segunda parte, mucho más extrema, culminada en su mayor expresión con un final desgarrador, sea la que termine dando el golpe definitivo al objetivo que tenía su director en mente con la película. Esta nos hace una demostración de una etapa en la que todo acaba superándonos, en la que la soledad es nuestra mayor enemiga. Esto aparece personificado en su protagonista, quien pide a gritos un "te quiero" que significa mucho más que dos simples vocablos y que siempre se le ha negado por su personalidad. Dicha personalidad termina siendo construida por una sociedad que aparta a la gente diferente, que malinterpreta las intenciones y que acaba creando una persona que necesita escapar de esa terrible pesadilla que no le deja vivir.
Resulta un acierto que las justificaciones familiares no sean la explicación de la personalidad del protagonista, ya que resulta demasiado "tópico".
Hablaba al principio de que la película no es perfecta y es que tiene bastantes huecos en su guión, parece ser que todos los actos tienen repercusiones personales pero nunca legales para los protagonistas. Por otro lado, a veces resultan poco sutiles algunos tramos de la película, en los que las intenciones terminan siendo confusas, llegando a rozar en cierta manera la inverosimilitud y lo grotesco. No nos queda claro si estamos ante una película sobre adolescentes o una película de terror sobre un asesino perturbado. También aparece un cierto hueco en el guión con respecto a los familiares de los protagonistas, parece ser que intencionado por su director. Una manera de centralizarnos en ellos y dejar a un lado las típicas y en ocasiones erróneas explicaciones familiares a los conflictos del adolescente, como ya hemos podido observar en otras muchas películas, del tipo abusos de pequeños, separaciones o maltrato domestico.
El final seco, silencioso y doloroso, podría tener muchas lecturas, quizás una de ellas podría ser que siempre miramos al "malo" con temor, hasta que nos damos cuenta de que somos nosotros mismos los que nos hemos convertido en aquello de lo que huíamos.
Dos cosas que destacar más, una de ellas creo que la mejor de toda la película, es sin lugar a dudas la música, sintiéndose como protagonista en todo momento y siendo participe de los acontecimientos de la historia. Por otro lado, las interpretaciones, todos hacen un trabajo más que correcto, podemos decir que la mejor interpretación es la de Jorge Clemente, pero claro es el que tiene el mayor peso en la historia, por lo que me gustaría destacar también a los otros dos actores. Si bien este primero hace un muy buen trabajo, aunque aún tenga que cuidar que en ocasiones abusa de ciertas expresiones, resultando reiterativas.
Sin más decir, que merece la pena acercarse a esta pequeña obra, que destaca por ser diferente, que nos agarra y no nos suelta hasta su final y que termina haciéndonos reflexionar tras su visionado.
Lo mejor: La complejidad con la que trata un tema que no se puede regir por una simple explicación. El trío protagonista.
Lo peor: La película tiene tramos de trazo grueso y algunas lagunas en su guión.

VALORACIÓN: 7.5/10
 

San Andrés

Mil y una formas de morir sin éxito

"San Andrés" es un espectáculo visual placentero, impactante y sorprendente, pero lleno de personajes vacíos, situaciones conocidas, estereotipos, clichés, grandes dosis de patriotismo y fantasía a raudales.
Antes de asistir a la película, todos nos hacemos una idea de lo que vamos a ver y es que basta con visualizar su trailer y conocer a su actor protagonista. Las películas de devastaciones ya son conocidas por sus numerosos efectos especiales y su lineal guión, sin embargo, estas atraen una gran cantidad de público a las salas y es que un espectáculo palomitero al año se puede decir que no hace daño.
El punto fuerte de la película sin lugar a dudas son sus detallistas efectos especiales. Con el desarrollo de la tecnología se han conseguido efectos más nítidos y con un mejor acabado, gracias a estos podemos ver algunas de las escenas de destrucción más impactantes de los últimos años. En ella tiene cabida todo tipo de destrucción, desde grandes rascacielos, hasta la rotura de una enorme presa e incluso un tsunami, un refrito de fenómenos naturales que nos mantienen pegados a la butaca, generando en ocasiones una atmósfera claustrofóbica y asfixiante.
La acción se mantiene en la película en todo momento, con muy pocos altibajos y soportando la tensión y la emoción en prácticamente todo el metraje. Aquí, a las escenas de acción no les basta con superar una enorme ola o la caída de un elevado edificio, en esta se complican hasta el término de agotar cualquier esperanza de supervivencia, sin embargo, ya sabemos que sus protagonistas disponen de un halo de vida que prácticamente los hace inmortales. Es en este punto, donde la película encuentra uno de sus errores y es que el querer generar tanto impacto, hace que tenga que sacrificar todo atisbo de verosimilitud sobre lo que ocurre en pantalla, y es que llegados a ese punto la gente en la sala termina riéndose y la emoción se acaba perdiendo.
A nivel de fotografía y dirección, la película está muy bien rodada, con unos excelentes planos aéreos y un diseño de producción muy cuidado.
Por otro lado, si nos centramos en los personajes y especialmente en el tono sentimentalista de la historia, el resultado es muy pobre. Si bien los actores cumplen con su cometido, sus personajes están tan estereotipados que nuestro interés por ellos es prácticamente nulo. El peor aspecto sin lugar a dudas, es el de querer crear un drama sentimental, con la misma historia e igual resolución que siempre, que si bien podría funcionar como aporte de sentimiento a la historia, pero que realmente resulta tan grosero y tan poco sutil, que se encuentra más a la altura de una parodia.
Por último centrarnos en el guión. La historia sabemos como termina y su desarrollo también es bien conocido, aunque a veces se empeña en querer dotarla de  inteligencia con ciertos datos científicos, sus diálogos resultan bastante irrisorios y su desarrollo no aporta nada nuevo.
Con respecto a esto, quiero hacer un apunte y es que realmente pienso que estas película, independientemente de que no pretendan ser de Oscar, debería de al menos cuidar sus diálogos igual que cuidan sus efectos digitales. Ya sabemos que funcionan en taquilla y esta no ha sido una excepción, pero se podría reinventar el género, eso ya no va en los millones invertidos, sino en ingeniar un guión un poco más inteligente y que el espectador no prevea a cada segundo.
Independientemente de sus errores, este blockbuster del verano es lo suficientemente robusto y acelerado como para divertirnos e impresionarnos durante su hora y cuarenta y cinco de metraje, sin embargo, el género acusa más ambición y es que sus catastróficas escenas ya están empezando a resultar monótonas.
Lo mejor: Es un impresionante espectáculo visual, entretenido y con grandes dosis de acción.
Lo peor: Su sentimentalismo paródico, su estereotipado guión, su incesante patriotismo y su carente inteligencia.

VALORACIÓN: 5.5/10